有哪些绘画理论和技巧明白后使你有明显的提升？

作者：西里图
来源：知乎
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每次听到新理论或新用法，都会眼前一亮，自以为得道升天。不过只要睡一觉起来再画一张，就会知道自己想多了。
　　只有极少数情况下，观念上的冲击才会成为作品的大幅进步。分享三个我印象深刻的例子，希望能对题主有帮助。
一. 修拉的点彩画法
　　我从小一直被老师骂没有色彩感觉。虽然什么冷暖饱和度之类的概念硬灌了不少，但画出来的东西还是那个狗样子。
　　初二的时候学校组织去写生，好友不知道从哪里翻出一本修拉的画册，参考着画了起来。在大多数人都在按照老师的要求，老老实实画8开风景写生的时候，他却在画32开甚至64开的小怪图。比如全是天空，就右下露一个小塔尖。我当时并不理解：那小笔触太猥琐了吧？

　　上高中后，新美术老师向我们推荐毕沙罗等人的作品，于是我班几乎人手几本印象派。她又解释了印象派对光影色彩绘制的贡献，并且着重讲了一下修拉作品的原理。
　　简单的说，就是利用人眼自动混合小色点成色彩的功能。比如显示器只是由三原色组成的像素点，但人眼看却千变万化。修拉通过对色彩和光的理性分析和理解，拆分了混合在一起的颜色，用几乎各自都是纯色的小笔触构成了丰富的色彩效果。这些画贴近了看什么都不是，就像贴在显示器上只能看到像素点。只有距离够远，才能体会到作者的匠心。
        修拉的色感精神分裂了，他就看到了新世界。
        我也想看到新世界。
　　于是我回忆起了朋友的那些怪画。我绷好画纸，开始人生中的第一张点彩画。我第一次主动精神分裂，尝试拆分我看到的所有颜色，虔诚的一小笔一小笔的配置它们。我第一次在四开纸的大小上，拥有如此密集的机会去训练色彩。
　　这是我人生中最辉煌快乐的三小时之一。在那之后我就摘掉了“没有色彩感觉”的枷锁，开始享受画色彩的乐趣。
　　现在想来，点彩派的训练方法对色彩理解的提高可与室内5人足球对于巴西足球的崛起类比。它提供了在短时间内高强度色彩训练的可能。这是目前我试过的最有效的色彩训练方法。如果没有这个方法，我不知道还要多久才能找到画色彩的乐趣。
　　我觉得，我欠那个朋友一次大保健。
　　回去照做，并因此打开新世界大门的你，也欠我一次大保健。
二. 黑白灰与真实色调
　　对应试狗来说，“黑白灰”这三个字字字千金。
　　试想，在艺考后阅卷的时候，阅卷老师面对着铺满大厅的画，看到好的就拨到左边，看到一般的就拨到右边，一分钟搞定几十张。如果你的画不能在1秒内让老师判定成“可以给80以上”并把你甩到优秀组，那么你可能就永远失去了进入美院的机会。如果无法被注意到，再精妙的塑造，再准确的结构，也并没有什么卵用。
　　所以大多对美院有点想法的人，都会刻意加强自己画面的黑白灰。白的要够白，黑的要够黑，否则灰色就没办法做出太多的层次，对比也无法刺瞎阅卷老师的狗眼。一个标准的半身像套路，就是黑色的头发，重灰的手脸，黑色的外套露出里面白色的领子。老师会拿教棍指着你画中被蹭的脏兮兮的衣领说：“这里提亮一点。”哪怕模特明明就是几个月没洗澡还穿着脏衣服。
　　应试狗哪怕不用应试了，画的东西还是会有一种一眼就能看的出来的俗气。有一阵子迷上了大神们那非常厚重写实的色调，却死活画不出来。我研究了很久，感觉自己虽然技法上差的不少，但不应该不至于连抄色调都抄不像。后来，感谢各位老师的经验分享，才渐渐的明白了两件事情。
　　首先，拥有真实感的色调，其在明度取值范围其实是比较小的。也就是说，画面的绝大多数颜色，其实都是在取色框的左下角附近移动。应试流只说明了要注意极值和层次丰富，却没有说出口灰度的分布并不是平直的横线，而是一条靠近左边的正弦曲线。详见林冉老师的这一页教程：


　　而在这条优雅曲线的穿插中，色阶差值应当是该不太大的。详见林冉老师的另一页教程：
　　道理想通了其实也是蛮简单，但落实到具体的每张画面就还是复杂。我感觉距离我真正消化，还有很漫长的距离，因为我的基本功还不够，信仰也还不够。
　　所以我决定不请林冉老师大保健了。
　　我用请他大保健的钱报了他的网络班。

三. 图层概念与绘画流程
       数码绘画对我来说最大的帮助是让我重新认识了绘画的根本流程，而这种认识在传统手绘的情况下可能一辈子也难以获得。
　　画水粉和油画的流程比较粗暴，基本就是起稿→铺色→塑造。而在铺色的时候，你每一笔都要同时思考笔触的走向和大小是否符合物体结构，这一笔的饱和度是否合适，这一笔的明度是否合适，这一笔的色彩本身是否好看……因为画者的时间和脑力的限制，绝大多数的思考都是在潜意识中自动完成。但这样模糊了很多问题，少了很多试错和进步的机会。
　　举个例子来说，如果你画了一个小美女，觉得衣服看着别扭，那么到底是哪里的错呢？是塑造的不够精确吗？是配色选择的不好吗？是暗部的冷暖选择的不好吗？是衣服本身的黑白灰不准确吗？太多的可能性，往往我们就会一脑袋浆糊的改来改去。而一般除非是运气很好或者有高人指点，这种修改往往最后是会因为审美疲劳和个人认知不足而无疾而终。
　　开始数码绘之后很长一段时间，我还是习惯只开一个图层，也不觉得这样做有什么问题。有一次偶然画了几次日式赛璐珞之后，我第一次认识到图层的真正作用。
       图层并不是简单的修改工具，而是帮我们把绘画拆分成最细微的步骤的神器。在图层的帮助下，绘画的每一步都是分离的，可以单独修改的。你甚至可以每一次塑造都单独保留一个图层，每个色块都分别保留一个图层。你的整个画面始终是可控的，你随时可以知道自己到底做了什么，做了之后是改善了画面，还是破坏了画面。
　　于是第一次认识到，要在线稿阶段就确定好结构，而不是像以前那样随便画画看着差不多了就开始深入——因为你终于明白了“起稿”这两个字的真正含义。你会重新开始思考流程背后代表的逻辑。古代大师在画大型油画之前为什么都要先画若干小稿？为什么他们的草稿的素描往往塑造的那么精致？为什么黑白罩染法可以让原画师高效率的量产概念设计作品？为什么赛璐珞画法效率这么高？为什么日本动画的每一桢制作流程是原画→色指→后期？

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　　不同的作画流程，背后都代表着不同的思路，来解决“如何实现我要画的东西”。
　　大师为什么要素描稿？因为他要先在油画之前先解决所有能用素描解决的问题，这样就可以把绘画过程拆分成素描和色彩两个部分，分别加以思考。黑白罩染法原理类似，也是先画出黑白稿，再罩上颜色进行下一步塑造。两种方法唯一的区别可能就是封装之后使用的接口不同。日式赛璐珞更是拆分到了极致，线稿解决造型和结构，铺色图层解决色相明度和纯度，叠加的阴影塑造图层解决光影塑造（甚至可以有几个光源，就有几个光影塑造图层），特效和调色解决了整体色调的渲染。而在动画制作的时候，甚至把每个步骤都交给不同的人来做。
　　搞懂了这件事，我的绘画效率大幅度提升。
　　从这个角度来说，说是打开新世界的大门，并不为过。

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值得一读 有点意思

看了之后 有种跃跃欲试的冲动

想要成大触，天天上元素

很不錯的分享

厉害

感觉很有道理的样子

这个方法零基础实用吗

挺有用的经验之谈。

看看

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资源哪里好，肯定元素找！

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